10 Frauen in der Kunst des 20. Jahrhunderts

By Andrew Bay, UK

Malerei, Film, Performance und Bildhauerei sind nur einige der Disziplinen, in denen einige unglaublich talentierte Frauen in den letzten 100 Jahren einen wichtigen Beitrag zur bildenden Kunst geleistet haben. Sie haben ein enormes Interesse von Kunsthistorikern, Kritikern und Käufern auf sich gezogen. In der folgenden Liste stellen wir eine Auswahl dieser Künstlerinnen vor, um diesen oft übersehenen Trend in der Kunstwelt aufzuzeigen, der unsere volle Aufmerksamkeit verdient.

Vanessa Beecroft

Als Teenager, der in Mailand aufwuchs, litt Vanessa Beecroft an einer Reihe von lähmenden Essstörungen. Dieses Leiden, gepaart mit einer Sucht, war das Thema ihrer Abschlussausstellung, die sie 1993, im Alter von 24 Jahren, an der Mailänder Kunstakademie zeigte. Der Erfolg der Performance machte sie sofort zu einer wichtigen Performance-Künstlerin, und eine Einladung des New Yorker Kunsthändlers Jeffrey Deitch folgte schnell. Der Schwerpunkt von Beecrofts Arbeit liegt auf lebendiger Körperkunst und der Erforschung von Nacktheit und Voyeurismus als Katalysatoren sozialer Machtdynamik. Darüber hinaus hat sie eine einzigartige Beziehung zu prominenten Persönlichkeiten aus der Mode- und Musikbranche aufgebaut, wie etwa zu den Rappern Kanye West und Kim Kardashian sowie zu Yves Saint Laurent und Louis Vuitton. Ihre kraftvollen Installationen sind unter anderem im Art Institute in Chicago und im Eindhoven Museum of Art in den Niederlanden zu sehen.

Marlene Dumas

Marlene Dumas hat sich in ihrer über 35-jährigen Karriere mit komplexen Themen wie sexuellem Begehren, Erotik und politischer Identität auseinandergesetzt und dabei vor allem Polaroids als Vorlage verwendet. Geboren und aufgewachsen 1953 in Kapstadt, Südafrika, in einer wohlhabenden niederländisch-afrikanischen Familie, studierte Dumas von 1975 bis 1978 Kunst an der Universität von Amsterdam und lebt seither in der niederländischen Hauptstadt. Ihr fotografisches Werk konzentriert sich auf die Natur emotionaler und libidinöser Intimität, mit offenen Bezügen zu erotischen Zeitschriften und Literatur. Charakteristisch für ihre Gemälde und Porträts sind die dicken Pinselstriche, die sorgfältig flüchtige Erinnerungen an Freunde, nahe und entfernte Verwandte, die in ihrer alltäglichen Existenz gefangen sind, hervorrufen. Dumas' fotografische Erzählungen hingegen sind ein nachhaltiger Kommentar zur zeitgenössischen Kultur und zum Zeitgeschehen und zeigen eine breite Palette von Motiven, die von Medienberühmtheiten bis zu historischen Persönlichkeiten reichen. Dumas ist heute Professorin an der Universität Tilburg in den Niederlanden und ihr Werk wird vom Museum of Modern Art in New York kuratiert.   

Helen Frankenthaler

Die 1928 in eine wohlhabende New Yorker Familie geborene Helen Frankenthaler war eine bahnbrechende Innovatorin der amerikanischen Bewegung des Abstrakten Expressionismus der 1950er Jahre. Sie erforschte zunächst dicke Farbblöcke, einfarbige Hintergründe und undurchsichtige Leinwände, um ihren frechen und innovativen Stil zu entwickeln. Sie ebnete sofort den Weg für eine Reihe von Nachfolgern wie Kenneth Noland und Morris Louis, die ihren bahnbrechenden Stil, der von keinem Geringeren als Jackson Pollock inspiriert worden war, schamlos bewunderten. In der Folgezeit entwickelte sie ihre eigenen ungegenständlichen Techniken weiter, wobei sie den Schwerpunkt auf Linearität, die Erforschung nicht-negativer Räume und die Verwendung von Holzschnitten und Lithografien legte. Im Jahr 2001 wurde sie mit der American National Medal of Arts ausgezeichnet, und ihre Werke sind in mehreren Privatsammlungen ausgestellt, darunter im Guggenheim Museum und im Whitney Museum of Art in New York.   

Agnes Martin

Die in Kanada geborene Agnes Martin zog 1931 im Alter von 19 Jahren in die USA. Während ihres Studiums der modernen Kunst an der New Yorker Universität entdeckte sie 1942 den abstrakten Expressionismus, dessen Hauptvertreterin sie werden sollte. Nach ihrem Abschluss schloss sie sich informell einer kreativen Gemeinschaft an, zu der auch Jasper Johns, Barnett Newman und der Kunsthändler Arne Glimcher gehörten. In dieser produktiven Zeit entwickelte sie die Schlüsselaspekte ihres einzigartigen Stils: geometrische Linien und Skizzen, die von den kargen Landschaften ihres ländlichen Aufwachsens im Westen Kanadas inspiriert waren; Tuschezeichnungen und Aquarelle; geschichtete Bilder von Bauernfeldern und Wüstenlandschaften aus New Mexico. Mit einem lebenslangen Interesse am Buddhismus teilte Martin ihr Leben zwischen ihrem Loft in New York und New Mexico, wo sie die meisten ihrer Werke schuf, die sich heute in privaten Sammlungen der Dia Art Foundation in New York City und des Centre George Pompidou in Paris befinden.

Louise Bourgeois

Psychoanalyse, Materialismus und Feminismus sind nur einige der Themen, mit denen sich Louise Bourgeois in ihrer aufsehenerregenden künstlerischen Laufbahn beschäftigte. Am ehesten verbindet man sie vielleicht mit ihren fabelhaften 3D-Spinneninstallationen, die in Werken wie "The Spider, The Mistress and the Tangerine" für die Nachwelt festgehalten wurden. Aber sie schuf auch großartige Gemälde und Skulpturen, blühte als Druckgrafikerin auf, veröffentlichte Bücher und tat sich als Dokumentarfilmerin hervor. Ihr facettenreiches, forschendes Werk ermöglichte es ihr, sich mit den Verästelungen der wichtigsten künstlerischen Strömungen des XX. Jahrhunderts wie dem Abstrakten Expressionismus oder dem Feminismus auseinanderzusetzen, ohne jemals völlig in ihnen aufzugehen. Die Tochter von Pariser Kunsthändlern wird oft als die bedeutendste Bildhauerin des 20. Jahrhunderts bezeichnet und hat über einen Zeitraum von 70 Jahren Werke geschaffen, die in der ganzen Welt Besucher- und Verkaufsrekorde brachen und in der National Gallery of Art in Washington, DC, im Centre George Pompidou in Paris und im Tate Museum in London ausgestellt wurden.

Tracey Emin

Zusammen mit ihren berüchtigten Künstlerkollegen der Young British Artists wurde Tracey Emin Mitte der 1990er Jahre mit ihrem unverwechselbaren Ansatz für konzeptionelle Installationen, Filme und Skulpturen zu einer Sensation in der Kunstwelt. Sie hat den eigenwilligen Blickwinkel einer Designerin verfeinert, um konzeptuelle Kunst zu schaffen, die gleichzeitig Kühnheit und bekennende Sentimentalität unterstützt.

Nach ihrer Ausbildung am Royal College of Art im Jahr 1990 hat sie zutiefst persönliche Episoden aus ihrem Leben offengelegt, um bahnbrechende Werke wie "Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995" oder "You Loved Me Like a Disaster" zu schaffen. Ihre Werke wurden in so renommierten Institutionen wie dem Stedelijk Museum in Amsterdam, dem Museum of Modern Art in New York und der Tate Gallery in London ausgestellt. Emin wurde 2011 in die britische Royal Academy of Arts gewählt und lebt in East London.

Cindy Sherman

Mit einer Sammlung von 69 Fotografien, in denen sie versuchte, markante Stereotypen über Frauen, die ihrer Meinung nach in der Popkultur allgegenwärtig waren, nachzustellen, eroberte Cindy Sherman 1980 die Kunstwelt im Sturm. Die Serie trug den Titel "Untitled Film Stills," und durch die Verwendung verschiedener Kombinationen von Kulissen, Kostümen und Beleuchtungen komponierte sie eine mehrdeutige Interpretation des klassischen Realismus, wobei sie mühelos Anleihen beim amerikanischen Kino und bei Gemälden aus den 1940er und 1950er Jahren nahm. In den folgenden Jahrzehnten hat Sherman ihre Erkundung des Feminismus und der Geschlechterpolitik in der modernen amerikanischen Gesellschaft fortgesetzt. Ihre Bilder evozieren ein breites Spektrum an widerspenstigen stilistischen Kombinationen, von burlesken Kostümen bis hin zu unförmigen Bildern, von der digitalen Bearbeitung bis hin zu verzerrten Cibachrome-Kameraaufnahmen. Sherman hatte zahlreiche Ausstellungen in den renommiertesten Galerien der Welt und wurde 1995 mit dem renommierten MacArthur Fellowship Endowment ausgezeichnet.        

Barbara Kruger

Die amerikanische Künstlerin Barbara Kruger wurde in den frühen 1980er Jahren durch ihre Kunstdrucke bekannt, in denen sie Schwarz-Weiß-Bilder mit kühnen und einfallsreichen Texterzählungen kombiniert. Ihre ikonischsten Werke heben ironische und ernste Slogans in fetten weißen Schriften hervor, wie z. B.: "Die Zukunft gehört denen, die sie sehen können," oder "Ich kaufe ein, also bin ich." Vor dem Hintergrund regelmäßiger roter Kästen, die ein Gegengewicht zu ihren verschlüsselten Bildern bilden, nimmt sie furchtlos Anleihen bei den Zeitschriften der Verlagsbranche und anderen Kommunikationsnetzen, um ihre schräge Kritik am Konsumverhalten und der Populärkultur zu kanalisieren. Mit prestigeträchtigen Ausstellungen auf der Biennale von Venedig, im Whitney Museum und auf der Documenta in Deutschland hat Kruger im Laufe der Jahre eine einzigartige Fähigkeit entwickelt, scharfe soziale Kommentare und Beobachtungen zu schaffen. Ihr einzigartiger Ansatz ist in unser kollektives Bewusstsein gesickert, indem er auf unzähligen Karten, Zeitschriftencovern und Plakatwänden in der Verlagswelt Gestalt angenommen hat.

Yayoi Kusama

1963 begann Yayoi Kusama mit einer Reihe bahnbrechender Installationen, die die Fantasie des Publikums auf der ganzen Welt angeregt haben: ihre bemerkenswerten "Infinity Mirror Rooms." Diese freistehenden Installationen zeigen einen Wandteppich aus gläsernen Spiegelkugeln, die so kombiniert sind, dass sie die Illusion eines unendlichen Raums aus Punkten und Lichtern erzeugen.

Die 1929 in Tokio als Tochter einer wohlhabenden Familie geborene Künstlerin zog in den 1950er Jahren in die Vereinigten Staaten und wurde schnell zu einer Schlüsselfigur der New Yorker Avantgarde-Kunstszene. Ihr Werk hatte großen Einfluss auf die Pop-Art-Bewegung und war in bedeutenden Ausstellungen im MoMA in New York und in der Tate Modern in London zu sehen. Im Laufe von 35 Jahren hat sie sich in ihrer Kunstpraxis mit Themen wie psychischen Störungen, sexuellen Halluzinationen, Selbstauslöschung und unendlicher Umgebung auseinandergesetzt. Obwohl sie heute als eine der einflussreichsten lebenden Pop-Künstlerinnen anerkannt ist, lebt Kusama seit 1977 in einem Krankenhaus für psychisch Kranke in Tokio.

Marina Abramović

Marina Abramović ist zweifelsohne eine der bekanntesten Performance-Künstlerinnen unserer Zeit. Sie erforscht vielfältige Themen wie die Natur von Raum und Zeit, die Verstrickungen des menschlichen Daseins und die existenzielle Unsicherheit. Während ihrer gesamten Karriere hat sie entschlossen versucht, die Grenzen des Dialogs, der ihrer Meinung nach zwischen dem Kunstwerk und dem Publikum stattfinden sollte, neu zu definieren. Im Laufe der Jahre hatte sie bedeutende Ausstellungen auf weltbekannten Festivals für zeitgenössische Kunst wie der Documenta (1982 und 1992) und der Biennale von Venedig (1997), und im Oktober 2022 wird sie die Londoner Frieze Art Fair leiten. Abramovic lebte und arbeitete von 1975 bis 1988 mit dem deutschen Künstler und Fotografen Uwe Laysiepen (auch bekannt als Ulay) zusammen. Sie inszenierten ein dramatisches Ende ihrer Beziehung, indem sie die Chinesische Mauer von den gegenüberliegenden Enden aus überquerten und sich in der Mitte trafen, um einander einfach "Auf Wiedersehen" zu sagen. Seitdem verfolgt sie ihre Karriere hauptsächlich als Solokünstlerin und fordert das Publikum auf der ganzen Welt unermüdlich heraus, seine eigenen emotionalen Reaktionen auf ihre zunehmend inszenierten und originellen Performances zu erkunden.