Alex Katz: Der lebendige New Yorker Realist, schneller denn je

By Andrew Bay, UK

Alex Katz ist ein amerikanischer Maler, der 1927 in New York geboren wurde. Obwohl sein Werk oft mit der Pop Art in Verbindung gebracht wird, ist er durch seine figurativen Kompositionen auch eng mit dem abstrakten Expressionismus verbunden. Im Laufe der Jahre hat er immer wieder die Spannung zwischen der dreidimensionalen realen Welt und der zweidimensionalen Oberfläche der Leinwände erforscht, auf denen er seine einzigartigen Porträt- und Landschaftsbilder festhält.

In vielerlei Hinsicht ist Katz eine Art Dreh- und Angelpunkt zwischen der abstrakten Schule der 1950er Jahre und der Pop-Art-Welt der 60er Jahre. Er verlagerte wahrhaftig die Konversation von der Innen- zur Außenansicht und öffnete damit den Weg für eine Generation von Künstlern, für die die Oberfläche wieder wichtig wurde. Katz studierte an der Cooper Union School of Art in New York und später an der School of Painting and Sculpture in Skowhegan, Maine.

Seine frühen Arbeiten zeigen den Einfluss von berühmten Zeitgenossen wie Jackson Pollock und Willem de Kooning. Doch sehr schnell reifte sein Werk zu eleganten, raffinierten, weltgewandten und unaufdringlich einfachen Produktionen. Seine Gemälde sind voller gegensätzlicher Kurven, zusammengehalten von geometrischen Formen, in denen jeder Pinselstrich einen Zweck erfüllt. Sie umreißen seine Bilder und verleihen ihnen eine vitale Energie.

Katz zeichnet seine Sujets meist sorgfältig auf die Leinwand, bevor er sie malt. Er bezeichnet sich selbst als "Hand- und Armmaler", der seine Werke aus dem Gedächtnis heraus malt und ihnen eine schlanke Bewegung verleiht. Im Laufe seiner Karriere hat Katz auch immer wieder Druckgrafiken, Cut-ups und Theaterinszenierungen verwendet.  Von den späten 60er bis in die 1970er Jahre setzte er diese Medien zunehmend ein und reifte auch in der Verwendung skulpturaler Formen. Langsam begann er, großformatige Landschaftsgemälde zu entwickeln und entwickelte dabei eindringliche Techniken, um den Betrachter in das visuelle Erlebnis einzubeziehen - eine Technik, die er auch heute noch anwendet.

Im Laufe der Jahre hatte Katz erfolgreiche Einzelausstellungen im Brooklyn Museum in New York, im Jüdischen Museum in Israel, im Museum of Modern Art in Dublin, Irland, und im Zentrum für zeitgenössische Kunst in Malaga, Spanien, sowie in vielen anderen Museen.

Als Kind russischer Einwanderer in Amerika wuchs Katz in New York während der Großen Depression auf. Die dem Leben zwischen zwei Kulturen, zwischen Vergangenheit und Zukunft, zwischen Exil und Assimilation innewohnende Instabilität muss eine wichtige Rolle bei Katz' Unfähigkeit gespielt haben, dem Realismus vollständig zu vertrauen. Dieses Thema zieht sich wie ein roter Faden durch seine Malerei, diese Dualität zwischen dem Gegenstand und den empirischen Beobachtungen des Malers in der "realen Welt".

Katz hat immer geglaubt, dass das, was wir als "Realität" bezeichnen, von einer Vielzahl von Wahrnehmungen wie Kultur, Umwelt und subjektiver Erfahrung durchdrungen ist. Katz lehnt Absolutes als Schablone für die Erfassung der Realität kategorisch ab: Er ist nur seinem eigenen Geschmack verpflichtet. Obwohl die großen Maler seiner Generation, wie Jasper Johns und Robert Rauschenberg, ihre radikale Erforschung des Abstrakten Expressionismus entschlossen vorantrieben, verspürte Katz keine Neigung, in ihre Fußstapfen zu treten.   

Er fand viel Inspiration in den Werken der wichtigsten amerikanischen Dichter und Schriftsteller der Mitte des XX: Frank O'Hara, Edward Gorey, Gertrude Stein. Mit ihnen teilte er einen unbezähmbaren Appetit auf das Leben, verpackt in stilisierte Raffinesse und lebensbejahenden Elan.

Katz' ständige Aufgabe besteht darin, die in seinen Porträts und Landschaften verborgene Lebendigkeit und Vitalität rastlos zu enthüllen. Er will immer noch das "Jetzt" der flüchtigen Momente einfangen, die ihren Weg in seine innere Welt und dann in seine Bilder finden. In vielerlei Hinsicht besteht einer seiner größten Erfolge darin, die Flachheit seiner Bilder in etwas Fesselndes und Faszinierendes zu verwandeln.  Diese einzigartige Herangehensweise an sein Werk spiegelt den kollektiven Geist seiner Zeitgenossen aus den 1960er Jahren wider. Sie wollten die Aggressivität der Oberfläche auf ihren Leinwänden hervorheben, was am besten durch die Betonung der Flachheit der dargestellten Objekte erreicht wurde.

In der vorangegangenen Epoche der 1950er Jahre war der Einfluss des Impressionismus unter den amerikanischen Malern noch stark zu spüren, die von Weichheit durchdrungene Oberflächen darstellten, gegen die Katz in seinem eigenen Werk reagierte. Katz entdeckte allmählich seine eigene Stimme, als er begann, sich auf Themen zu konzentrieren, die sein tägliches Leben und das Leben seiner engsten Bekannten, Freunde und Familie widerspiegelten. Die Konzentration auf seine unmittelbare Realität ermöglichte es ihm, nicht in die Falle zu tappen, lediglich Trends zu folgen oder die Stile und Techniken anderer Künstler zu kopieren.

In seinen Gemälden kann Katz zeigen, wie das Licht gespiegelt und abgelenkt wird, sobald seine Bewegung auf der Leinwand eingefangen ist.

Während seiner frühen Jahre an der Kunstschule lernte er, wie die Perspektive in modernen Maltechniken unterlaufen und ausdrücklich vermieden werden sollte. In der Regel wurde Katz und seinen Zeitgenossen stark davon abgeraten, in ihren Gemälden Schatten, Modellbau und illustrative Beschreibungen zu verwenden. Ihre einzigen Bausteine waren die geraden Linien auf einer einfachen geometrischen Ebene. Ihr Ziel war es, die Dringlichkeit des gegenwärtigen Augenblicks aufzugreifen und mit einem Minimum an Mitteln und Anstand zu zeigen.


Doch schon früh wollte Katz einen Weg finden, gegenständliche Arbeiten zu schaffen, die frisch und neu aussehen. Er wollte, dass sich seine Bilder auf immer größer werdenden Leinwänden ausbreiten. Er griff den Schwung der Pop Art auf, die zeitgenössisches Denken und grafische Ideen aufgriff, die seinen physischen Sinn für Styling beeinflussten. Im Laufe seines Werks entschied sich Katz zunehmend dafür, die Wahrnehmung in den Vordergrund zu stellen und die Bedeutung in den Hintergrund zu rücken.  Er kam zu dem Schluss, dass Letzteres den Schwung des Ersteren verlangsamt. In Anlehnung an die Vision der Maler des Abstrakten Expressionismus der 1950er Jahre will er die Bedeutung aus dem Bild herauslösen. Bedeutung, Kontext und Form dürfen die Unmittelbarkeit, die durch das Fehlen konventioneller Beschreibungen eingefangen werden kann, nicht bremsen.

Obwohl sich Katz stets zu seiner Dankbarkeit gegenüber dem Abstrakten Expressionismus bekennt, verfolgt er auch in seinem eigenen Werk zielstrebig einen gegenständlichen Kommentar. Auf diese Weise gelang es ihm, den Impuls der Abstraktion aus einer inneren Erkundung der Außenwelt herauszuholen.