Besessenheit und Leidenschaft: die visionäre Welt von Alberto Giacometti

In den späten 1950er Jahren war Alberto Giacomettis Atelier in Paris ein sicherer Hafen für einige der wichtigsten Künstler und Schriftsteller des 20. Jahrhunderts. Jean Genet, der große Romancier und Dramatiker, sagte einmal: "Giacomettis Atelier war ein magischer Kessel, aus dem er aus einer chaotischen Müllhalde erstaunliche Kunst hervorzaubern konnte."Der Boden der Wohnung des Bildhauers war mit Gips, Farbe und allerlei verstreutem Material übersät, was seine kreativen Ausbrüche förderte. Dieses Chaos fand schließlich seinen Weg auf einen Rahmen, der eine dauerhafte Form annahm, große Kunst, die unweigerlich aus Abfällen und Trümmern entstand.

Giacometti wurde 1901 in der Schweiz als Sohn eines etablierten Malers geboren. Schon früh interessierte er sich für die Bildhauerei und beschloss im Alter von 14 Jahren, Maler zu werden. Als Teenager schrieb er sich an der Genfer Kunsthochschule ein und zog schließlich 1923 nach Paris, um bei Emile Bordelles, einem ehemaligen Schützling des großen Bildhauers Auguste Rodin, zu studieren.

In Paris wurde Giacometti schnell von der aufkeimenden Szene der surrealistischen und kubistischen Bewegungen angezogen. Bahnbrechende junge Künstler wie Balthus, Pablo Picasso und Joan Miro waren führend bei der Entwicklung radikal neuer Techniken in der Bildhauerei und Malerei.

Giacomettis Gipsskulpturen basieren auf seiner engen Freundschaft mit Andre Breton und dem Studium seiner Essays über das Wesen des Unbewussten und des Traums. Dies führte dazu, dass Giacometti nach und nach die traditionellen figurativen Bildhauertechniken aufgab und sich ausschließlich auf die von seiner Vorstellungskraft erzeugten Visionen als Grundlage für seine späteren Werke stützte. In der ersten Phase dieser Entwicklungsphase lag sein Hauptaugenmerk auf der menschlichen Anatomie, auf Köpfen, Armen und Beinen, Gliedmaßen. Mit der "Frau mit durchgeschnittener Kehle" (1932) setzte sich Giacometti mit den Themen Tod und Wahnsinn auseinander, vor dem Hintergrund der wachsenden politischen Spannungen, die sich in den 1930er Jahren in den europäischen Nationalstaaten abzeichneten. Ein paar Jahre später evoziert "Hände, die die Leere und imaginäre Objekte halten" (1934) die Verbindung zwischen den Sinneserfahrungen des Sehens und der Berührung. Mit diesem Werk versucht Giacometti zu erforschen, inwieweit Objekte, die wir uns in unserer Vorstellung vorstellen, auch mit physischen Empfindungen identisch werden können.

Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs beschloss Giacometti, in die Schweiz zurückzukehren, wo er Annette Arm kennenlernte, eine junge Sekretärin, die sein lebenslanges Lieblingsmodell wurde. Das Paar verliebte sich sofort ineinander und heiratete kurz nach dem Ende des Krieges 1949. Diese Zeit markiert einen entscheidenden Wendepunkt in Giacomettis Schaffen, denn er begann, immer kleinere Werke zu schaffen: Sowohl seine Gemälde als auch seine Skulpturen begannen zu schrumpfen, ein Vorgang, den er nach eigenen Angaben nicht kontrollieren konnte, zu dem er sich aber unwiderstehlich gezwungen sah.

Kurz nach seiner Rückkehr nach Paris im Jahr 1945 hatte Giacometti eine Epiphanie, in der er erkannte, dass sein Werk bis dahin nur kinematographischer Natur war. Er wurde von einer Vision ergriffen, die ihm zeigte, dass die physische Welt um ihn herum "von Zeit und Raum losgelöst ist". Ihn überkam ein Gefühl des Grauens bei dem Gedanken, dass er die wahre Natur der Wirklichkeit bis dahin zutiefst missverstanden hatte.

Dieser neu gefundene Impuls, die Zeit von seinen Sinneserfahrungen zu trennen, war eine vollständige Offenbarung, die eine neue Ebene der Stille und Unbeweglichkeit in seinem Werk eröffnete. Er war nun in der Lage, das bildhauerische Wesen eines Objekts von seinen Beobachtungen und seiner tatsächlichen Anwesenheit zu befreien. Dieser Durchbruch ermöglichte es ihm, die Tendenz zu kleineren Figuren, die er während seines Aufenthalts in der Schweiz eingeschlagen hatte, umzukehren und wieder größere Modelle zu bauen.

Wie sich herausstellte, brachte ihn dieser Wachstumsschub in der Vertikalen auf den Weg, dünnere, langgestreckte und stachelige Skulpturen zu entwerfen, die maßgeblich zu Giacomettis wachsendem Bekanntheitsgrad und Ruhm in der Kunstwelt beitrugen. Obwohl er weiterhin bescheiden lebte, schloss er lebenslange Freundschaften mit den kreativsten Denkern und Künstlern, die zu dieser Zeit in Paris lebten: Pablo Picasso, Samuel Beckett, Sartre und Simone de Beauvoir besuchten ihn regelmäßig in seinem Atelier, und sie trafen sich regelmäßig zu gemeinsamen Unternehmungen.


In den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg waren die Existenzialisten und die Modernisten sehr aktiv geworden und hatten mit ihren neuen Idiomen und philosophischen Konzepten zunehmend an Einfluss gewonnen. Giacometti wollte sich an der Definition eines neuen bildhauerischen Ansatzes für eine neue Ära beteiligen. In seinen Werken setzte er sich mit einer Nachkriegswelt auseinander, die von Ängsten und Unsicherheiten geprägt war. Er nutzte diese einzigartigen Skulpturen, um die quälende Natur des Konflikts offenzulegen, der dem Versuch innewohnt, nach den Schrecken des Krieges einen kollektiven Sinn zu schaffen. Er schuf ein vielgestaltiges Gefühl der Verortung und Dislokation, um die soziale Ambiguität zu erfassen, in der er und seine Zeitgenossen nun lebten. In den Jahrzehnten vor dem Krieg hatte sich Giacometti als geschickter Handwerker erwiesen, wenn auch in der Tradition der Kubisten und Surrealisten.

Ab den 1960er Jahren gelang es ihm, ein völlig eigenständiges visuelles Lexikon zu schaffen, indem er seinen Blick auf die Interaktion zwischen dem modellierenden Objekt und dem Raum, in dem es existiert, konzentrierte. Sartre hat einmal gesagt, dass Giocomettis Werke "immer zwischen dem Nichts und dem Sein oszillieren." Dies wird durch die Tatsache bestätigt, dass Giacometti bekanntermaßen unaufhörlich dieselben Muster für seine Skulpturen überarbeitete, in dem obsessiven Versuch, die flüchtigen Visionen einzufangen, die ihn ständig beschäftigten. Proportionen und Entfernungen fließen in seinen Figuren ständig entweder voneinander oder zueinander, und wenn man sie aus der Nähe betrachtet, hat man manchmal den Eindruck, ein Objekt zu sehen, das 30 Meter entfernt ist. Der konstante thematische Faden in Giacomettis Kunst ist, dass er immer wieder zu einem Raum zurückkehrt, in dem er sowohl Gemeinschaft als auch Isolation verbindet. Er extrahiert sie aus der Atmosphäre einer Stadt, in der ein gehender Mann oder ein weiblicher Akt, seine bevorzugten Modelle, zur Genese zahlreicher Serien, stellarer Werke aus Asche und sich auflösender Strukturen werden. Endlose Wiederholungen von Gipsmodellen, die in Größe und Umfang variieren, bilden ein Kontinuum, das von zartem Naturalismus bis zu sehr detaillierten Abstraktionen reicht.

Angesichts dessen kann man nicht anders, als das zu fühlen, was Giacometti selbst über sein Werk sagte: "Kunst ist nur ein Mittel zum Sehen. Egal, was ich betrachte, alles überrascht mich und entzieht sich mir."