Schachbrett-Sensationen, Skulpturen und Quadrate: die Op-Art-Odyssee von Bridget Riley

By Andrew Bay, UK


Bridget Rileys Leinwände, eine Mischung aus makellosen Linien, ausgefeilten Farbpaletten und eleganten geometrischen Sequenzen, trugen in den 1960er Jahren dazu bei, die stilvollen visuellen Effekte der Op Art zu initiieren. Die komplizierte und überzeugende Klarheit ihrer Gemälde durchschneidet die zerrissenen Oberflächen und treibenden visuellen Zustände, die in ihrem Werk zu sehen sind. Ihre Kompositionen scheinen voller optischer Ereignisse zu sein, die mit äußerster Präzision geschaffen wurden, so dass der Betrachter von einem Moment auf den anderen gleichzeitig Komfort und Reibung erlebt.   

Riley wurde 1931 in London als Tochter eines Armeeoffiziers, der in der Druckindustrie erfolgreich war, und einer Mutter, die Tochter eines Elektroingenieurs war, geboren. Während des Zweiten Weltkriegs lebte sie mit ihrer Mutter und ihrer jüngeren Schwester Sally in Cornwall, während ihr Vater in die britische Armee eingezogen wurde.

Ihre Ausbildung schloss sie 1955 in London am Goldsmiths College und dem Royal College of Art ab. Im Laufe der nächsten Jahre begann Riley, sich mit den Farbblöcken und Schnörkeln zu beschäftigen, die aus den pointillistischen Techniken von George Seurat am Ende des 19. Sie begann auch mit impressionistischen Streifenbildern und Collagen zu experimentieren, um das Auftauchen von Bewegung und Vibration in ihren Landschaften nachzustellen. Während dieser ersten Schritte auf dem Weg zum Durchbruch in der Kunstwelt arbeitete Riley zunächst als Kunstlehrerin und dann in verschiedenen Londoner Werbeagenturen.

Ihr Stil reifte allmählich durch ihre lebhafte Auseinandersetzung mit den energetischen Möglichkeiten und Eigenheiten, mit den Mustern, die durch visuelle Erfahrungen entstehen können. Das 1963 entstandene Gemälde "Fall" ist ein früher Vorläufer dessen, was später als Op Art bezeichnet werden sollte, zusammen mit den Werken von Victor Vasarely, Yaacov Agam und Richard Anuszkiewicz. Das Gemälde zeichnet sich durch seine beunruhigende, sinnliche Wirkung auf die Wahrnehmung des Betrachters aus: Fröhliche Schwarz- und Weißtöne werden von diagonalen Schrägen durchsetzt, die sich gegen schräge Streifen erheben, als zustimmende Anspielung auf Seurats schlanke, steile Leinwände. "Dominance Portfolio," das 1977 fertiggestellt wurde, ist ein Musterbeispiel für Rileys Arbeitsweise und methodischen Ansatz. Das Werk beginnt mit einem der Natur entnommenen Thema und entfernt sich dann vorsichtig von dieser Prämisse, bis sich ein entgegengesetzter Ansatz herauskristallisiert: Formale Merkmale und Markierungen beginnen, auf die Eigenschaften von Volumen, Rhythmus und Design hinzuweisen, die als zentrale bildnerische Mittel erprobt werden, mit denen das gesamte Experiment geprobt wird. In ihrer "Ra"-Serie zeichnet Riley Linien, um die Bewegungsmuster zu erforschen, die Kreisen, Rechtecken und Quadraten innewohnen. Die Kurven sind gebogen und verzerrt, wie die Wölbung eines Körpers, der in verschiedenen Positionen und Haltungen verdreht ist. Neben Seurat war Matisse immer eine wichtige Inspiration für Riley. Seine Fähigkeit, klare Linien zu zeichnen, die gleichzeitig die Logik des Volumens und die geometrische Abstraktion umschließen, hat sie immer wieder fasziniert und bildet die Grundlage für Rileys bahnbrechende Ausflüge in die Op Art. 

Das Werk, das sie im Laufe von sieben Jahrzehnten geschaffen hat, hat es nie versäumt, ihr Publikum aufrichtig zu stimulieren. Rileys abstrakte Kunstwerke sind für den Betrachter immer wieder ein visuelles Vergnügen und von bleibender ästhetischer Vitalität. Seit den frühen 1970er Jahren wechselt Riley zwischen schwarz-weißen und farbigen, großformatigen Werken und erweitert so die konzeptionellen und visuellen Perspektiven ihrer Arbeit. Sie ist dem Ethos der prägenden Jahre treu geblieben, in denen sie das Vokabular der Op-Art-Bewegung visualisierte. Sie ist nach wie vor bestrebt, die objektive Distanz zu schaffen, die es dem Betrachter ermöglicht, das Kunstwerk besser zu sehen. Indem sie die Maßstäbe und Grenzen sprengt, mit denen wir ihre Bilder visuell erfahren können, ermöglicht es uns Riley, ihrem Werk näher zu kommen. Wir sind daher frei, jede Diagonale, jede Reihe, jede Kurve zu erkunden. Jeder Blick wird durch einen anderen ersetzt und löst eine endlose Bewegung aus, die die Grundlage für eine dauerhafte, nahtlose Konversation bildet.