La reinvención del mundo del Arte: La insurgencia del Pop Art

El arte es cualquier cosa que creamos. Se define por lo que nos resulta apasionante o creativo y esta misma idea es lo que llevó al nacimiento del Arte Pop. El arte pop apareció en Gran Bretaña como reacción al consumismo de los medios y a la cultura popular. La respuesta resultó en un movimiento que ha revolucionado el mundo del arte desde entonces. Se distingue de otras formas de arte por sus colores vivos y atrevidos, formas eclécticas, muy influenciadas por la industria de la publicidad.

El origen del arte pop se remonta a la década de 1950, pero no fue hasta los años 60 que el mundo sintió su presencia en Estados Unidos y Gran Bretaña. Comenzó como una resistencia contra los enfoques dominantes por aquel entonces del arte y la cultura. Un par de jóvenes artistas desafiaron a las ideologías tradicionales sobre lo que debería ser el arte; sentían que lo que se enseñaba en las escuelas de arte no representaba al significado del arte, ya que para ellos no tenía sentido. Las escuelas de arte enseñaban historia antigua, mientras que los museos exhibían objetos y narrativas que eran irrelevantes en sus vidas. Los jóvenes artistas buscaban fuentes identificables de arte, cosas con las que interactuaban y veían cada día. Pedían redefinir todo el concepto y volver a los orígenes poco convencionales como las películas de Hollywood, coleccionables, packaging de productos, publicidad, música pop y cualquier cosa que les inspirase.

El arte pop en Estados Unidos

En sus primeros inicios, el pop no llamó mucho la atención del público. Poco a poco, se fue haciendo su hueco y se comenzó a aceptar como forma de arte relevante para la sociedad orientada a los medios de comunicación de los países de occidente.

El movimiento, que comenzó como una respuesta al comercialismo, extrae su iconografía de los medios, de los cómics, de las revistas y cualquier forma de publicidad. El concepto era un intento de volver al arte objetivo y universalmente aceptado, a la vez que se criticaba a la supremacía del «arte superior» que la sociedad valoraba en el pasado. Se basó sobre todo en el expresionismo y poco a poco se convirtió en un acontecimiento cultural gracias a su reflexión sobre la sociedad e imágenes fácilmente comprensibles.

La llegada del arte pop se anunció con los ensamblajes de Rauschenberg y Johns y con elaborados espectáculos ideados por artistas como Allan Kaprow. La intención era provocar al público a través de la estimulación sensorial con esculturas surrealistas. En la imaginería no faltaron los objetos agrandados recubiertos de vinilo y rellenos de guata, entre los que se incluyen colillas de cigarrillos y hamburguesas. La técnica era precisamente comercial, y se aprovechaba de la presencia constante de los medios de comunicación para hacer surgir un arte democrático y no discriminatorio.

La cultura pop saltó a la palestra por medio de trabajos de varios artistas. Roy Lichtenstein fue conocido por hacer versiones a escala de imágenes individuales procedentes de revistas de cómics comerciales, fusionándolas con algunas de sus referencias para convertirlas en lo que se denominaba «bellas artes.» Por otro lado, Andy Warhol y James Rosenquist se centraron en la abundancia de consumo con pinturas literales y serigrafías de etiquetas de latas de sopa e hileras de botellas de refrescos que representaban la era del supermercado a la vez que imitaban las técnicas de producción en masa. En el lado más oscuro, Warhol produjo las serigrafías Death and Disaster (Muerte y Desastre), que mostraban varias imágenes angustiosas de accidentes de coche procedentes de archivos policiales. También creó varios cuadros de Marilyn Monroe. Su excepcional obra aprovechaba las superposiciones de colores brillantes.

Otros artistas, como Tom Wesselman, crearon notables formas de arte pop. Es más conocido por la serie Great American Nude (Gran Desnudo Americano), que incluye pinturas de símbolos sexuales sin rostro. Robert Indiana, pintor, escultor y grabador, es especialmente famoso por su serie de esculturas Love, presentes en más de 30 lugares del mundo.

La libertad que acompaña al arte pop se hace patente a través de Keith Haring. También conocido como The Alphabet, Haring creó un arte en el que utilizaba muy pocas líneas y colores primarios para comunicar. La mayoría de las veces, su arte extraordinario, principalmente con personajes de dibujos animados, formaba el «alfabeto» de Haring y contaba historias impactantes y enviaba mensajes de una forma nunca vista.

Estos son solo algunos de los artistas que tuvieron una presencia significativa y un gran impacto en el arte pop estadounidense. Esta sólida base preparó el terreno para la gran aceptación del arte pop en el siglo XX, atrayendo a las masas para canalizar su creatividad de la mejor manera que sabían.

El arte pop en Europa

La mayoría de los países europeos son conocidos por su arraigada tradición en las bellas artes. Desde la pintura hasta la escultura, pasando por la música, la danza o la arquitectura. Curiosamente, el arte pop se mostró firme a la hora de cambiar la forma en que la gente percibía el arte. El arte pop surgió en Francia como Nouveau Realism que, según el crítico Pierre Restany, era una nueva forma de percibir lo real. En el país vecino, Alemania, el realismo capitalista definió a los artistas con influencia del Pop estadounidense. Entre los nombres famosos de esta corriente se encuentran Gerhard Ritcher y Konrad Lueg, que estudiaron y diseccionaron la imaginería y la fotografía de la cultura pop.

Mientras estos otros países europeos luchaban contra la idea del arte pop, Londres lo aceptó. Esta aceptación aplastante allanó el camino para el desarrollo del arte pop, con artistas como David Hockney, Joe Tison y Billy Apple a la cabeza.

Aunque la historia del arte estadounidense hizo cábalas sobre el Pop Art en Europa, solo Londres se había subido al carro de forma decidida. Otras ciudades europeas orientaron sus esfuerzos a reconectar con su historia artística de antes de la guerra. El arte pop europeo tardó en ponerse de moda, ya que la mayor parte de lo que conocemos tuvo lugar en la segunda mitad de los años sesenta. Con Londres como ciudad de referencia, Europa experimentó una ruptura generacional no vista en el pop estadounidense. Mientras el arte pop florecía en Estados Unidos, acababa de empezar en Londres.

No es de extrañar que la mayoría de las conversaciones sobre la cultura pop europea giren en torno a Londres, donde todo comenzó. Varios grupos independientes de artistas del Instituto de Arte Contemporáneo se reunieron en Londres entre 1952 y 1955. Entre estos artistas estaban Peter Blake, Allen Jones, R.J. Kital, David Hockney, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Reyner Banham y Lawrence Alloway. Hasta la fecha, el mundo considera a Richard Hamilton como fundador del arte pop y el visionario que perfiló la visión, los objetivos y los ideales.

Lawrence Alloway, crítico de arte, siempre será recordado por acuñar el término Pop Art. Más tarde, en 1956, los mismos artistas participaron en una exposición conjunta en la Galería Whitechapel, con otra palabra, Nuevo Edén. La exposición trataba sobre una América de posguerra y su cultura de consumo que hacía posible todo y cualquier cosa. También estaba protagonizada por Robbie (el robot de la película El planeta prohibido ) como Adán y Marilyn Monroe como Eva. Una pareja insólita que podía vivir sin vergüenza en el Paraíso Pop.

En los años 60, Londres tomó el testigo de Estados Unidos, ya que la mayoría de los avances del arte pop surgieron de la ciudad. Inglaterra se había recuperado de las penurias de la guerra y estaba creando una nueva generación de cultura pop. Era un cambio respecto a las bellas artes de las que los países europeos habían hecho gala durante siglos. En cierto modo, la nueva forma de arte transformó lo que se consideraba cultura «inferior» en arte «superior.» El arte provenía de los jóvenes que consumían los mismos productos. Algunos artistas, como Bridget Riley, cuyos cuadros de Op Art se hicieron notar en la floreciente escena de la moda, se pasaron a esta nueva tendencia. Las barreras de clase que se interponían en el camino del arte se derrumbaron cuando artistas de clase «baja», como Michael Cain, alcanzaron el estrellato. Por el contrario, el arte pop redefinió el término artista para incluir a diseñadores, grupos musicales, fotógrafos, directores de cine, estrellas de cine y muchos más.

La influencia del Pop adquirió gran importancia durante los años 70 e incluso a principios de los 80. Durante este periodo, las contribuciones de varios artistas tuvieron un impacto significativo en la definición del arte pop. Uno de los artistas de renombre, Peter Blake, es conocido como el « Padrino del arte pop británico. » Teniendo en cuenta que nació y creció en un país que se recuperaba de la guerra, sus intereses se centraron en una vida feliz. Su arte era diverso, pues incorporaba el dibujo, el collage y el ensamblaje, y lo hacía con diversos materiales, como papel, madera y piedra, y prácticamente cualquier cosa que encontrara. Manolo Valdez utilizaba técnicas casi similares, pero se basaba en la historia del arte para crear grabados, pinturas y esculturas. Por otro lado, Enrico Baj utilizó su obra para plasmar la ironía y el sarcasmo y criticar el contexto social y civil de su país natal, Italia.

El arte pop en Europa provocó una división entre los vencedores de la guerra (Estados Unidos e Inglaterra) y los perdedores (Francia y Alemania), de ahí su éxito en Londres, que aceptó el capitalismo occidental.

El arte pop en Asia (pop político)

Asia llegó a la fiesta bastante tarde con el pop político. El término «pop político» fue acuñado por Li Xianting, un crítico de arte, para definir las obras de los artistas chinos que incorporaban el estilo pop estadounidense en sus trabajos. El arte era principalmente una yuxtaposición de la iconografía de la propaganda de la Revolución Cultural.  En esencia, el pop político es la síntesis del arte pop occidental con el realismo socialista de la época maoísta. Un gran ejemplo de pop político es el retrato de Mao Zedong con símbolos comerciales de marcas populares como Gucci y Coca-Cola. El expresionismo forma parte, sin duda, del pop político gracias a la crítica irónica y a los momentos de humor contra la creciente fascinación por la riqueza, el lujo y la austeridad de la sociedad china.

El arte político debutó en China en la década de 1980. El primer arte pop político fue un retrato del líder chino Mao, creado por Li Shan, que imprimió, cortó y pegó la imagen sobre un fondo de color acrílico con una flor en la boca. Esta pieza se inspiró en los retratos de «Mao» creados por Andy Warhol en la década de 1970.

Otra creación destacada fue el cuadro Great Criticism-Coca-Cola de Wang Guangy. El cuadro es una auténtica representación del realismo social. Muestra a trabajadores chinos sosteniendo banderas rojas sobre un bolígrafo con el famoso logotipo de Coca-Cola en la parte inferior del cuadro. Los trabajadores aparecen alejados del cartel de propaganda. Wang Guangyi creó llamativas obras de arte e influyó mucho en la vanguardia china como uno de los miembros fundadores de Shu Qun y Ren Jian.

No podemos olvidarnos de Ai Weiwei, escultor, cineasta, músico y arquitecto chino que ha luchado por la liberación del pueblo chino a través de su obra. En su activismo creó fotografías, vídeos, instalaciones escultóricas y proyectos arquitectónicos y criticó abiertamente los abusos del gobierno chino. Su influencia estadounidense condicionó su acercamiento al ámbito de la vanguardia, también conocido como Arte Conceptual. Al igual que el arte pop, sus interacciones con el arte le llevaron a pensar en las materias primas como objetos de la vida.

Takashi Murakami es también un destacado artista del arte pop asiático. El pintor y escultor japonés es conocido por mezclar el comercialismo, las bellas artes, la estética japonesa y la crítica cultural. El artista saltó a la fama entre los círculos artísticos de Japón y Estados Unidos por su peculiar oficio, plasmado en sus exitosos diseños de bolsos para Louis Vuitton. Sus obras son importantes en el arte político, ya que consigue difuminar los límites entre las bellas artes y las artes inferiores. Takashi Murakami ha tenido un impacto increíble en la generación joven de artistas japoneses y se ha ganado el título de «Padrino del arte japonés».

El arte pop político ha tenido su parte de rechazo, con críticos que argumentan que el movimiento imita la propaganda y el consumismo y utiliza estereotipos para alcanzar las demandas del mercado occidental. Sin embargo, la cultura pop es una respuesta a la modernización desenfrenada de los países asiáticos y creó una forma de que su pueblo aceptara la Revolución Cultural. Aunque comenzó un poco más tarde que el arte pop en Estados Unidos y Europa define con qué se relaciona el pueblo asiático y crea un vínculo entre él y otras culturas. Además, el pop político crea un canal que permite a los artistas cuestionar las cuestiones políticas y sociales que les afectan a ellos y a su gente.

El arte pop fue capaz de reintroducir imágenes identificables y alejarse de la rígida definición del arte. Eliminó la jerarquía de la cultura e introdujo un aspecto de inclusividad en todo el arte. De este modo, ha hecho posible la transformación continua de la cultura en un espectáculo artístico más fantástico y significativo, al tiempo que se enfrenta a la realidad del capitalismo. Al centrarse en infundir valor a lo que cada sociedad considera necesario, el potencial del arte pop es inagotable. Y lo mejor de todo es que los artistas pueden crear cosas que sigan siendo relevantes a lo largo de varias épocas y diferentes estructuras sociales. En la actualidad, varios artistas emblemáticos mantienen el espíritu del arte pop a través de obras emocionantes y de gran aceptación.