Minimalismo en el siglo XX: gestos simples e ideas esenciales.

La definición oficial del término minimalismo describe un precepto estético, pero con el tiempo este concepto ha evolucionado hasta significar varias cosas para según qué personas. Esto se debe a la elasticidad de las cuestiones de «menos es más» y a la capacidad de aplicarlo a la moda, la música, la literatura, el arte, la arquitectura y la decoración del hogar. Aunque estas son las aplicaciones típicas de los últimos tiempos, es esencial comprender los antecedentes históricos del minimalismo y cómo ha evolucionado hasta convertirse en lo que es hoy.

¿Qué es el arte minimalista?
El arte minimalista o minimalismo es un tipo de arte abstracto que se suele plasmar con bordes gruesos y formas sencillas y que pretende abandonar las nociones tradicionales de que el arte significa algo más de lo que es. Los espectadores aceptan la obra de arte por lo que es y por cómo ocupa el espacio. Por lo general, las obras de arte minimalistas se crean con sencillez y líneas y formas mínimas para minimizar la obra y que solo represente sus cualidades esenciales. El movimiento minimalista se opuso a la idea de que el arte estaba destinado únicamente a las élites.

Qué define al arte minimalista
La característica del arte minimalista se centra en utilizar colores monocromáticos. Suelen ser uno o dos colores, siendo el blanco y el negro los dominantes. Además, las líneas y formas geométricas, como los rectángulos, se colocan unas junto a otras de forma repetitiva, lo que se conoce como serialidad. También se caracteriza por colocar objetos en planos horizontales o verticales, incluyendo siempre el suelo y utilizando materiales industriales como plásticos, madera, hormigón, metales e instalaciones ligeras.

Minimalismo y abstracción temprana
Aunque la abstracción temprana rechazó y se opuso a muchos aspectos de los movimientos expresionistas abstractos que la precedieron, los movimientos abstractos anteriores supusieron una gran influencia para las técnicas e ideas del minimalismo. En 1863 - 1922, se publicó el primer libro inglés conocido como The Great Experiment in Art de Camilla Gray, que describía los planteamientos de la vanguardia rusa.

Con esta publicación, las cuestiones supremacistas y constructivistas rusas de las décadas de 1910 y 1920, como la desvalorización de las obras de arte hasta su estructura significativa y el empleo de mecanismos de producción fabril, se comprendieron mejor y motivaron a los escultores minimalistas.

El arte minimalista entra en escena
La expresión abstracta fue el movimiento artístico dominante en Estados Unidos en las décadas de 1940 y 1950. El movimiento se caracterizaba por un contenido emocional y dramático sólido y por trabajos sueltos, espontáneos y gestuales y con importantes componentes biográficos en cada obra de arte. Sin embargo, con el paso del tiempo, a finales de la década de 1950 surgieron varios artistas jóvenes, como Donald Judd y Dan Flavin, que se opusieron a las definiciones de las artes visuales. Estaban motivados por los conceptos de los movimientos europeos, como la Bauhaus alemana o el De Stijl holandés. El movimiento artístico holandés De Stijl se originó en los Países Bajos en 1917. Se centró en lo esencial para crear arte ciñéndose a los colores primarios, como el blanco y el negro. Asimismo, los artistas utilizaban principalmente las formas básicas en planos verticales y horizontales.

Estos movimientos no solo iban más allá de la postura originaria respecto a la escultura y la pintura, sino que también se alejaban mucho de la influencia del expresionismo abstracto. Varios artistas abandonaron la escultura y la pintura y optaron por cosas que cuestionaban los límites convencionales de lo que puede considerarse una obra de arte.

En consecuencia, desde el inicio de la década de los sesenta, el minimalismo adquirió protagonismo gracias a la suma de varios factores, como un mayor interés de los conservadores de museos y el mercado del arte y las publicaciones. La exposición de las primeras estructuras en el Museo Judío en 1966 fue especialmente importante para la creación del movimiento artístico minimalista. La exposición estaba compuesta por obras de artistas clave como Dan Flavin, Sol Lewitt y Robert Morris, que presentaron obras formalmente simplistas, acompañadas de materiales geométricos y desnudos.

Asimismo, la aparición del minimalismo se puede relacionar con la del arte conceptual, que floreció en las décadas de 1960 y 1970. Estos movimientos artísticos se opusieron a las primeras estructuras y consideraron que la importancia dada a los objetos artísticos estaba fuera de lugar y conducía a un poderoso mundo del arte del que solo podían disfrutar unos pocos elegidos.

Durante la década de 1960, muchos artistas publicaron artículos que dieron forma y describieron el movimiento minimalista. Para empezar, el artículo de Donald Judd sobre Objetos Específicos intentó plasmar la estética del minimalismo. Judd abandonó las diferencias tradicionales entre las formas de arte para fomentar obras que no fueran tan fácilmente etiquetadas como escultura o pintura.

Por otro lado, Robert Morris publicó en 1966 un artículo conocido como Notes on Sculptures. Defendió el uso de formas sencillas que el espectador pudiera comprender fácilmente y argumentó que la interpretación de las obras de arte dependía del contenido y las condiciones previstas en los objetos.

Arquitectura minimalista

El minimalismo también se aplica a la arquitectura. Anteriormente estuvo influenciado por movimientos como el De Stijl, que se centraba en el uso de líneas rectas horizontales y verticales, que eran muy simples. Por tanto, esto demuestra que el arte minimalista sigue los conceptos del movimiento De Stijl. La arquitectura minimalista buscaba excluir todas las características de un edificio que parecieran superfluas y solo tenía en cuenta los elementos esenciales de un edificio.

La arquitectura minimalista presenta formas geométricas sin adornos. Además, hay mucha repetición de las formas, lo que se conoce como serialidad. Esto sencillamente supone poner los elementos de las obras de arte en sucesión con el objetivo principal de retratar la simplicidad.

El arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe inició el concepto de 'Less is More'  (menos es más) al definir cómo él creaba su arquitectura. Utilizó conceptos esenciales, que luego lograron el propósito visual y funcional.

Escultura minimalista
La escultura fue un elemento esencial del minimalismo y del arte minimalista. Los artistas se centraron en crear formas geométricas tridimensionales en el espacio utilizando materiales como el aluminio, las láminas de metal, la madera contrachapada, la fibra de vidrio y el plástico. Las esculturas se colocaban en el suelo. Se invitaba a los visitantes a dar su opinión y a estudiar la relación entre las distintas partes de los objetos artísticos, teniendo en cuenta la repetición de las formas geométricas. Los artistas trataban de retratar el objeto tal y como era, sin darle otro significado. Los artistas se interesaban igualmente por cómo los espectadores veían estas esculturas atendiendo a sus partes y formas sin pensar en otra cosa.

Por ejemplo, al mirar un cubo, Sol Lewitt opinó que 'la característica fascinante de un cubo es que es relativamente poco interesante.' En otras palabras, la escultura era independiente sin que hiciera falta que el artista le diera un significado. En las esculturas minimalistas destacaba una relación significativa: la relación entre el objeto y el espacio que ocupaba. Las esculturas podían estar en el suelo o interponerse en el camino. Así, la colocación de las esculturas en medio del camino era intencionada, como la representada por Lever, de Carl Andre, de 1966, compuesta por 137 ladrillos colocados en línea por el suelo.

Instalaciones minimalistas
Las instalaciones en el arte minimalista pueden verse principalmente en forma de instalaciones de luz. Los artistas empezaron a utilizar tubos fluorescentes para mostrar que afectaban al espacio. Al usar tubos fluorescentes, los artistas hacían hincapié en la luz más que en el propio tubo para crear un efecto. Dan Flavin empleó esta técnica en su serie titulada Icons en 1961, combinando luces eléctricas con cubos lisos de cara cuadrada, y más tarde empezó a trabajar con cualquier tubo fluorescente disponible en el mercado.

Los artistas se centran en cómo la luz y las formas geométricas pueden afectar al espacio que les rodea, y la percepción se traslada al espectador.

Entre los artistas que defendieron esta idea se encuentran John McCracken, Mary Corse y Larry Bell.

El minimalismo hoy en día
El minimalismo sigue presente en artistas de hoy en día. Por ejemplo, artistas de Chicago como John Pittman y Theaster Gates adoptan conceptos estéticos a través de la forma. En Estados Unidos existen consultoras de arte corporativo que trabajan tanto a nivel local como internacional en diversos estilos, incluido el minimalismo contemporáneo. Las obras de arte geométricas, sencillas e impactantes prevalecen en la mayoría de los muebles de oficina modernos; el minimalismo y los añadidos estéticos funcionan bien en el espacio corporativo.

¿Quiénes son los artistas más importantes del movimiento artístico minimalista?
Algunas figuras minimalistas importantes son Donal Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Sol Lewitt, Agnes Martin, Robert Morris y Robert Ryman.