Los grupos urbanos y los páramos emergentes del nuevo movimiento escultórico británico

By Andrew Bay, UK


A principios de la década de 1980, un nuevo y dinámico grupo de jóvenes escultores británicos cobró protagonismo en la escena del mundo del arte. Sus obras se caracterizaban por el repudio al movimiento minimalista en la escultura. Estos jóvenes escultores sustituyeron las convenciones estilísticas de la escuela minimalista por un intento de volver a materiales, metodologías y simbolismos más convencionales. En general, la década de los ochenta reflejó un importante cambio cultural en el mundo del arte. El predominio del arte conceptual y minimalista comenzó a decaer, dando paso a nuevas ideas y perspectivas, como el neorrealismo y el neoexpresionismo en la pintura, entre otros. Los artistas de la nueva escultura británica retomaron diversas técnicas de diseño y materiales, como el grabado en mármol y un renovado interés por el cincelado en piedra. Las representaciones alegóricas volvieron a introducirse en el discurso general, así como los títulos y nombres líricos de las obras que los artistas producían. En este contexto, un grupo de jóvenes artistas británicos pasó a primer plano a mediados de los años ochenta, con el nombre de Nuevos Escultores Británicos.

Stephen Cox

Nacido en 1946 en Bristol y formado en la Escuela de Arte y Diseño de Londres, Stephen Cox es un artista británico cuya obras se centran en esculturas de piedra de pórfido imperial. Su interés por la piedra de pórfido, un tipo de material específico, conocido por su gran dureza, se remonta a una exposición en la que participó en el Palazzo Reale a principios de los años ochenta. Hasta entonces, Cox se había centrado principalmente en obras conceptuales y minimalistas, que giraban esencialmente en torno a instalaciones y procesos de construcción basados en el yeso. Mientras viajaba por Italia durante la exposición del Palazzo Reale, visitó los pozos de piedra caliza de los que los grandes arquitectos del Renacimiento habían extraído su material, en Milán y Florencia. Con este trasfondo histórico comenzó a crear las esculturas que se convirtieron en sus obras emblemáticas: Atyeo (1986), Hymn (1990), Porphyry Peregrine (2017). Las obras de Cox exploran las ideas de discontinuidad y fragmentación en la elaboración de piezas escultóricas, así como la creatividad inherente a la arqueología contemporánea.

Tony Cragg

Tony Cragg se formó en el Royal College of Art de Londres. Nacido en 1949 en Liverpool, siempre fue consciente, como estudiante de arte, de que la generación que había precedido a la suya había impulsado avances muy importantes en el arte moderno. La sombra del arte conceptual y minimalista se cernía sobre la generación de la posguerra. Por suerte, Cragg no tenía interés en seguir los pasos de los maestros minimalistas. Posteriormente entabló una larga amistad con sus compañeros escultores Richard Deacon y Bill Woodrow, que compartían una falta de interés similar por los logros de la generación anterior. Cragg se niega a considerarse un artista "conceptual." Más bien considera su trabajo como un proceso de aprendizaje continuo. Este camino le llevó desde construir principalmente esculturas de objetos encontrados al principio de su carrera a crear exclusivamente obras originales desde cero en la actualidad. Mediante el uso de materiales preciosos, como el bronce, sus obras se han centrado en recrear el movimiento a través de las formas físicas. Sin embargo, su serie Early Forms (2015) no pretende necesariamente encapsular el movimiento como tal, sino que refleja la forma única que tiene Cragg de dotar a algo completamente inmóvil, como una escultura, de un potencial atemporal de dinamismo y movimiento.

Richard Deacon

En las obras de Richard Deacon surgen enseguida formas sustancialmente grandes, que parecen ligeras como una pluma, antes de que su coraza se desmorone como un esqueleto. Sus interiores rudimentarios, hechos de acero envarado, presentan una gracia animada y constante que los caracteriza. Deacon es otro miembro ilustre del grupo de los Nuevos Escultores Británicos. Nacido en 1949 y formado en el Royal College of Art, al igual que su amigo Tony Cragg, encontró rápidamente su hueco favoreciendo obras despojadas, que disimulan con destreza el trabajo que ha costado su fabricación. La palabra "fabricación" le gusta especialmente a Deacon. No se ve a sí mismo tanto como escultor o tallista, sino más bien como "fabricante". En sus propias palabras: "Me gusta mucho el doble sentido de la palabra "fabricador": una fabricación es algo inventado, además de algo construido". Deacon considera que la fabricación es algo que se puede utilizar para contar historias, historias que pueden ser completamente inventadas, que pueden no tener nada que ver con la verdad, o que también pueden ser la verdad pura y dura. Entre las principales exposiciones de Deacon figuran Struck Dumb (1987), Lock (1988) y Mammoth or Fold (1990), un biombo gigante de cerámica de 12 toneladas. Para Deacon, el entusiasmo que siente cuando descubre nuevas formas e ideas es tan contagioso como cuando empezó su carrera. Su insaciable curiosidad le convierte en uno de esos raros artistas que confunden constantemente nuestras expectativas.     

Bill Woodrow

Bill Woodrow siempre ha dado una enorme importancia a lo que él denomina su "práctica del dibujo." Su metodología se ha mantenido casi constante a lo largo de su carrera y consiste en la aplicación meticulosa de un proceso de tres partes a todos sus proyectos: observación, comprensión y documentación del tema estudiado. La resolución de la tensión que existe entre la comunicación verbal y la visual es el núcleo de las preocupaciones estilísticas de Woodrow. Como observador visual, Woodrow insiste en que el aspecto más importante de su trabajo es obtener la mayor cantidad de datos posible, no solo sobre el modelo representado, sino también, y de forma crítica, sobre el contexto o el entorno que pueda rodear al mismo. Nacido en 1948 en Oxford y formado en el Saint Martins College of Art de Londres a principios de la década de 1970, Woodrow puede considerarse fácilmente como el último exponente clave de la Nueva Escuela Británica de Escultores. Su primera exposición individual, celebrada en Londres en 1972, consistió principalmente en un montaje de esculturas e instalaciones de objetos encontrados. Woodrow siempre se sintió atraído por el rigor de la contextualización narrativa. Este enfoque culminó en su obra Regardless of History, del año 2000, que escenificaba una catástrofe ficticia sobre el cambio climático. A pesar de producir obras muy conceptuales, Woodrow siempre ha sido un apasionado defensor del dibujo de observación, que recomienda a todos sus alumnos. También es famoso por su uso poco convencional de la miel como material de pintura. Le gustan particularmente los colores vivos que produce y el grosor de la textura de la miel. Algunas de sus obras más importantes son Brixton Boys Street Noise, una instalación basada en pantallas de televisión destrozadas, In Awe of the Pawnbroker, que consiste en 5 unidades de bronce unidas por cadenas de metal y cerradas con candado, e In Your Face, una máscara de acero inoxidable que fue el resultado de una de sus varias colaboraciones con su amigo Richard Deacon.