10 femmes dans l’art au XXème siècle

By Andrew Bay, UK

La peinture, la réalisation de films, l'art de la performance et la sculpture ne sont que quelques disciplines dans lesquelles des femmes incroyablement talentueuses ont apporté une contribution très importante au monde de l’art au cours du siècle dernier.
Elles ont suscité un intérêt considérable de la part des historiens de l'art, des critiques et des acheteurs. Nous avons présenté une sélection de ces artistes, qui méritent toute notre attention, dans la liste suivante, afin de mettre en valeur cette catégorie souvent négligée par le monde de l’art.

Vanessa Beecroft

Pendant son adolescence à Milan, Vanessa Beecroft a souffert de troubles alimentaires. Cette maladie, associée à des dépendances, a été le sujet de l'exposition de fin d'études qu'elle a réalisée à 24 ans à l'Académie des Arts de Milan en 1993. Le succès de cette exposition l'a immédiatement propulsée comme une artiste incontournable et Jeffrey Deitch, marchand d'art new-yorkais, lui a rapidement envoyé une invitation pour exposer ses oeuvres. Le travail de Beecroft est centré sur l'art corporel vivant et l'exploration de la nudité et du voyeurisme utilize comme catalyseurs de la dynamique du pouvoir social. Elle a aussi lié une relation unique avec des célébrités médiatiques de la mode et de la musique, comme le rappeur Kanye West et Kim Kardashian, ainsi qu'avec Yves Saint Laurent et Louis Vuitton. Ses formidables oeuvres sont présentées, entre autre, à l'Institut d’Art de Chicago et au musée d'art d'Eindhoven aux Pays-Bas.

Marlene Dumas

En utilisant des polaroïds comme modèle de base, Marlène Dumas a abordé les thèmes complexes du désir sexuel, de l'érotisme et de l'identité politique, au cours d'une carrière qui s'étend sur près de 35 ans. Née et élevée en 1953 au Cap, en Afrique du Sud, dans une famille néerlandaise afrikan aisée, Dumas a étudié l'art à l'université d'Amsterdam de 1975 à 1978 et vit depuis dans la capitale néerlandaise. Son travail photographique s'est concentré sur la nature de l'intimité émotionnelle et libidinale, avec des références ouvertes aux magazines et à la littérature érotiques. Ses peintures et ses portraits sont caractérisés par d'épais coups de pinceau superposes en couches, qui évoquent avec précision les souvenirs fugaces d'amis, de parents proches ou éloignés, pris dans leur quotidien. Les récits photographiques de Dumas, quant à eux, soulignent, de manière soutenue, la culture et les événements contemporains, en décrivant un large choix de sujets, allant des célébrités médiatiques aux personnages historiques. Mme Dumas est aujourd'hui professeur à l'université de Tilburg, aux Pays-Bas, et ses œuvres sont conservées par le Musée d’Art Moderne de New-York.

Helen Frankenthaler

Née en 1928 dans une riche famille new-yorkaise, Helen Frankenthaler a été une pionnière dans le mouvement des expressionnistes abstraits américains des années 1950. Pour développer son style audacieux et novateur, elle a d'abord exploré d’épais blocs de couleur, des fonds avec des taches uniques et des toiles opaques. Elle a immédiatement ouvert la voie à un cortège de disciples, tels que Kenneth Noland et Morris Louis, qui ont admiré sans réserve son style avant-gardiste, inspiré par Jackson Pollock. Elle a ensuite développé ses propres techniques non représentatives, en accentuant la linéarité, l'exploration d'espaces non négatifs et l'utilisation de gravures sur bois et de lithographies. Elle a reçu la médaille Nationale Américaine des Arts en 2001 et ses œuvres sont exposées dans plusieurs collections privées, dont le musée Guggenheim et le Musée d’Art de Whitney à New-York.

 
Agnes Martin

Agnès Martin, née au Canada, s'installe aux États-Unis en 1931, à l'âge de 19 ans. Elle découvre l'expressionnisme abstrait, dont elle deviendra l'un des principaux représentants, en 1942, alors qu'elle étudie l'art moderne à l'université de New-York. Après avoir obtenu son diplôme, elle a rejoint de manière informelle une communauté créative comprenant Jasper Johns, Barnett Newman et le marchand d'art Arne Glimcher. C'est au cours de cette période féconde qu'elle a développé les principaux traits de son style unique : lignes géométriques et croquis, inspirés par les paysages arides de son enfance rurale dans l'Ouest canadien ; dessins à l'encre et aquarelles ; peintures superposées de champs de fermiers et de paysages désertiques du Nouveau-Mexique. Intéressée depuis toujours par le bouddhisme, Mme Martin a partagé sa vie entre son loft de New-York et celui du Nouveau-Mexique, où elle a créé la plupart de ses œuvres, qui appartiennent désormais à des collections privées, à la Dia Art Foundation de New-York et au Centre George Pompidou à Paris.

Louise Bourgeois

La psychanalyse, le matérialisme et le féminisme sont quelques-uns des sujets sur lesquels Louise Bourgeois s'est penchée au cours de sa sensationnelle carrière artistique. Elle est peut-être plus connue pour ses extraordinaires d’installation d'araignées en 3D, capturées pour la postérité dans des œuvres telles que "L'araignée, la maîtresse et la mandarine." Mais elle a aussi produit de grandes peintures et sculptures, s'est épanouie en tant que graveuse, a publié des livres et a excellé en tant que réalisatrice de documentaires. La nature multiforme et exploratoire de son travail lui a permis d'explorer les ramifications des principaux mouvements artistiques du XXème siècle, tels que l'expressionnisme abstrait ou le féminisme, sans jamais s'y fondre totalement. Fille de marchands d'art basés à Paris, Bourgeois est souvent considérée comme l'une des plus importantes sculptrices du XXème siècle en réalisant des œuvres pendant 70 ans, battant des records de fréquentation et de vente dans le monde entier, avec des œuvres exposées à la Galerie Nationale d’Art de Washington, au Centre George Pompidou à Paris et au Tate Museum de Londres.

Tracey Emin

Avec ses associés tristement célèbres des Jeunes Artistes Britanniques (Young British Artists), Tracey Emin est devenue une admiration du monde de l'art au milieu des années 1990, avec son approche distinctive des installations conceptuelles, films et sculptures. Elle a affiné son point de vue de designer idiosyncrasique pour créer un art conceptuel, qui soutient simultanément l'audace et la sentimentalité confessionnelle.

Formée au Collège Royal des Arts en 1990, elle a montré des épisodes profondément personnels de sa vie pour produire des œuvres révolutionnaires telles que "Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995" ou "You Loved Me Like a Disaster." Ses œuvres ont été exposées dans des institutions aussi prestigieuses que le Musée Stedelijk d'Amsterdam, le Musée des Arts Modernes de New-York et la Tate Gallery de Londres. Emin a été élue à l'Académie Royale des Arts Britanniques en 2011, elle vit dans l'est de Londres.

Cindy Sherman

Avec une collection de 69 photographies, dans lesquelles elle a tenté de recréer des stéréotypes saillants sur les femmes qui, selon elle, sont omniprésentes dans la culture pop, Cindy Sherman a pris d'assaut le monde de l'art en 1980. La série s'intitule "Untitled Film Stills" et utilise diverses combinaisons de décors, de costumes et d'éclairages. Elle compose une interprétation ambiguë du réalisme classique, qu’elle emprunte aisement au cinéma américain et aux peintures des années 1940 et 1950. Au cours des décennies suivantes, Sherman a poursuivi son exploration du féminisme et des politiques de genre dans la société américaine moderne. Ses photos évoquent un large éventail de combinaisons stylistiques indisciplinées, des costumes burlesques aux images difformes, du montage numérique aux prises de vues déformées avec l'appareil cibachrome. Sherman a exposé de nombreuses fois dans les galeries les plus prestigieuses du monde entier et a reçu la prestigieuse dotation de la bourse MacArthur en 1995.   

Barbara Kruger

L'artiste américaine Barbara Kruger s'est faite connaître au début des années 1980 pour ses tirages d'art qui associaient des photos en noir et blanc à des récits audacieux et inventifs. Ses œuvres les plus emblématiques mettent en avant des slogans ironiques ou sérieux en caractères blancs et gras tels que : "L'avenir appartient à ceux qui peuvent le voir," ou "Je fais du shopping, donc je suis" sur un fond rouge régulier qui contrebalance des images cryptées. Elle emprunte, sans crainte, des idées aux magazines et autres réseaux de communication pour canaliser ses critiques obliques sur le consumérisme et la culture populaire. Avec des expositions prestigieuses à la Biennale de Venise, au Musée de Whitney et à Documenta en Allemagne, Kruger a développé, au fil des années, une capacité exceptionnel à créer des commentaires sociaux acérés. Son approche unique s'est infiltrée dans notre conscience collective, en prenant forme sur d'innombrables cartes, couvertures de magazines et panneaux d'affichage.

Yayoi Kusama

En 1963, Yayoi Kusama a commencé une série d'installations révolutionnaires qui ont captivé l'imagination des spectateurs du monde entire avec ses remarquables "Infinity Mirror Rooms". Ces salles d'installations autonomes présentent une tapisserie de boules en verre et en miroir, combinées de manière à créer l'illusion d'un espace infini de pois et de lumières.

Née à Tokyo dans une famille aisée en 1929, elle s'installe aux États-Unis dans les années 1950 et devient rapidement une figure clé de la scène artistique avant-gardiste new-yorkaise. Son travail a eu une influence considérable sur le mouvement Pop Art et a fait l'objet d'importantes expositions au MoMA de New York et à la Tate Modern de Londres. En 35 ans, sa pratique artistique l'a amenée à explorer des thèmes tels que les troubles mentaux, les hallucinations sexuelles, l'oblitération de soi et l'environnement infini. Bien qu'elle soit aujourd'hui reconnue comme l'une des artistes pop vivantes la plus influente, Kusama vit dans un hôpital pour malades mentaux à Tokyo depuis 1977.

Marina Abramović

Marina Abramović est sans aucun doute l'une des artistes la plus connue de notre époque. Elle explore des thèmes multiples tels que la nature de l'espace et du temps, les enchevêtrements de la condition humaine et l'incertitude existentielle. Tout au long de sa carrière, elle a résolument tenté de redéfinir les limites du dialogue qui, selon elle, doit avoir lieu entre l'œuvre d'art et le public. Au fil des ans, elle a présenté des expositions majeures dans des festivals d'art contemporain de renommée mondiale, tels que Documenta (1982 et 1992) et la Biennale de Venise (1997), et elle sera la tête d'affiche de la Frieze Art Fair de Londres en octobre 2022. Abramovic a vécu et collaboré avec l'artiste et photographe allemand Uwe Laysiepen (également connu sous le nom d'Ulay) de 1975 à 1988. Ils ont mis en scène la fin dramatique de leur relation en traversant la Grande Muraille de Chine à pied depuis les extrémités opposées de ses frontières, se retrouvant au milieu pour se dire simplement "Au revoir".  Depuis, sa carrière s'est principalement déroulée en tant qu'interprète solo, mettant sans cesse au défi les publics du monde entier d'explorer leurs propres réactions et réponses émotionnelles face à la mise en scène de ses oeuvres originales.