Alex Katz : le réaliste new-yorkais sur le vif, plus rapide que jamais.

By Andrew Bay, UK

Alex Katz est un peintre américain né à New York en 1927. Bien que son œuvre soit souvent liée au pop art, il est aussi étroitement associé à l'expressionnisme abstrait, à travers ses compositions figuratives. Au fil des ans, il a constamment exploré la tension qui existe entre le monde réel physique en 3-D et la surface en 2-D des toiles qu'il utilise pour capturer ses portraits et ses œuvres paysagères uniques.

À bien des égards, Katz est une sorte de pivot entre l'école abstraite des années 1950 et le monde du pop art des années 1960. Il a véritablement déplacé la conversation de l'intérieur vers un regard extérieur, ouvrant ainsi la voie à une génération d'artistes pour qui la surface est redevenue importante. Katz a étudié à la Cooper Union School of Art de New York, puis à la School of Painting and Sculpture de Skowhegan, dans le Maine.

Ses premiers travaux montrent l'influence de célèbres contemporains tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning. Mais très vite, son travail a mûri pour produire des oeuvres élégantes, sophistiquées, mondaines et d'une simplicité trompeuse. Ses peintures sont pleines de courbes opposées, maintenues par des formes géométriques dans lesquelles chaque coup de pinceau a un objectif. Elles délimitent ses tableaux et leur insufflent une énergie vitale.


Katz a l'habitude de dessiner soigneusement ses sujets sur la toile avant de les peindre. Il se décrit comme un peintre "des mains et des bras", créant de mémoire une impression de mouvement dans ses œuvres. Tout au long de sa carrière, Katz a aussi eu recours à la gravure, au découpage et à la conception de productions théâtrales. Il utilise de plus en plus ces médias entre la fin des années 60 et le début des années 70, tout en perfectionnant son utilisation des formes sculpturales. Il a lentement commencé à chercher à développer des peintures de paysages à grande échelle, en développant des techniques immersives pour encapsuler le spectateur dans l'expérience visuelle du processus, une technique qu'il utilise encore aujourd'hui.

Au fil des ans, Katz a organisé des expositions personnelles réussies au Brooklyn Museum de New York, au Jewish Museum d'Israël, au Museum of Modern Art de Dublin, en Irlande, et au Centre d'Art Contemporain de Malaga, en Espagne, entre autre.

Enfant d'immigrants russes en Amérique, Katz a grandi à New York pendant la Grande Dépression. L'instabilité inhérente à la vie entre deux cultures, entre le passé et l'avenir, entre l'exil et l'assimilation a dû jouer un rôle important dans l'incapacité de Katz à faire pleinement confiance au réalisme. C'est un thème constant qui imprègne son approche de la peinture, cette dualité entre le sujet et les observations empiriques du peintre sur le "monde réel."

Katz a toujours pensé que ce que nous appelons "réalité" est imprégné d'une myriade de perceptions telles que la culture, l'environnement et l'expérience subjective. Katz rejette catégoriquement les absolus comme modèle d'appréhension de la réalité: sa seule allégeance est son propre goût. C'est pourquoi, bien que les grands peintres de sa génération, tels que Jasper Johns et Robert Rauschenberg, se soient lancés avec détermination dans l'exploration radicale de l'expressionnisme abstrait, Katz n'a pas eu envie de suivre leurs traces.    

Il a trouvé beaucoup d'inspiration dans les œuvres des principaux poètes et écrivains américains du milieu du XXème siècle : Frank O'Hara, Edward Gorey, Gertrude Stein. Il partageait avec eux un appétit indomptable pour la vie, enveloppé d'une sophistication stylisée et d'une vigueur affirmant la vie.

Le besoin permanent de Katz est de révéler sans cesse la vivacité et la vitalité cachées dans ses portraits et ses paysages. Il veut toujours capturer le "maintenant" des moments éphémères qui se frayent un chemin dans son monde intérieur, puis dans ses tableaux. À bien des égards, l'une de ses principales réalisations a été de transformer la platitude de ses images en quelque chose de captivant et d'intriguant.  Cette approche unique de son travail reflète l'esprit collectif de ses contemporains des années 1960 qui voulaient faire ressortir l'agressivité à la surface de leurs toiles qui était mieux rendu en soulignant la planéité des objets qu'elles représentaient.

À l'époque précédente, dans les années 1950, l'influence de l'impressionnisme se faisait encore fortement sentir chez les peintres américains, qui représentaient des surfaces empreintes de douceur, contre lesquelles Katz réagissait dans son propre travail. Katz a progressivement découvert sa voie lorsqu'il a commencé à se concentrer sur des sujets reflétant sa vie quotidienne et celle de ses plus proches, amis et famille. La concentration sur sa réalité immédiate lui a permis de ne pas tomber dans le piège de suivre les tendances ou de copier les styles et les techniques d'autres artistes.

Dans ses peintures, Katz est capable de révéler comment la lumière est à la fois reflétée et déviée une fois que son mouvement est capturé sur la toile.

Au cours de ses premières années à l'école d'art, il a appris à repenser la manière dont la perspective devait être subvertie et explicitement évitée dans les techniques de peinture modernes. En règle générale, Katz et ses contemporains étaient fortement découragés d'utiliser l'ombrage, le modelage et les descriptions illustratives dans leurs peintures. Leurs seuls éléments constitutifs étaient les lignes droites d'un plan géométrique simple. Leur objectif était de saisir l'urgence du moment présent et de la révéler avec un minimum de moyens et de décorum.


Mais dès le début, Katz a voulu trouver un moyen de réaliser des œuvres représentatives qui soient fraîches et nouvelles. Il voulait que ses peintures s'étalent sur des toiles dont la taille ne cessait de croître. Il a saisi l'élan de l'adoption par le Pop Art de la pensée et des idées graphiques contemporaines qui ont inspiré son sens physique du style. Dans l'ensemble de son œuvre, Katz a de plus en plus choisi de maintenir la perception au premier plan et de reléguer le sens à l'arrière-plan.  Il est arrivé à la conclusion que le second ralentit l'élan du premier. Conformément à la vision des peintres expressionnistes abstraits des années 1950, son intention est de démonter complètement le sens de l'image. La signification, le contexte et la forme doivent empêchés de ralentir l'immédiateté qui peut être capturée par l'absence de descriptions conventionnelles.

Bien que Katz reconnaisse toujours sa dette envers l'expressionnisme abstrait, il a aussi poursuivi sans relâche un commentaire représentatif dans son propre travail. C'est ainsi qu'il est parvenu à extraire l'impulsion de l'abstraction d'une exploration intérieure vers le monde extérieur.