Alex Katz: de energieke New Yorkse realist, sneller dan ooit.

By Andrew Bay, UK

Alex Katz werd in 1927 in New York geboren en is een Amerikaanse schilder. Hoewel zijn werk verwant is aan de pop-art, is hij door zijn figuratieve composities ook nauw verbonden met het abstract expressionisme. Door de jaren heen heeft hij consequent de spanning onderzocht die bestaat tussen de fysieke 3D-wereld en het 2D-oppervlak van de doeken die hij gebruikt om zijn unieke portretten en landschapsarchitectuur vast te leggen.

Katz is in vele opzichten een soort scharnierpunt tussen de abstracte school van de jaren vijftig en de popartwereld van de jaren zestig. Hij verlegde de conversatie van een kijk naar binnen naar een kijk naar buiten en maakte zo de weg vrij voor een generatie kunstenaars voor wie oppervlakte weer belangrijk werd. Katz studeerde aan de Cooper Union School of Art in New York en later aan de School of Painting and Sculpture in Skowhegan, Maine.

Zijn vroege werken tonen de invloed van beroemde tijdgenoten als Jackson Pollock en Willem de Kooning. Maar zijn oeuvre groeide heel snel met elegante, verfijnde, wereldse en oneerlijk eenvoudige producties. Zijn schilderijen zitten vol tegengestelde rondingen, bijeengehouden door geometrische vormen waarin elke penseelstreek een doel dient. Ze omlijnen zijn schilderijen en geven ze een vitale energie.

Katz tekent zijn onderwerpen meestal zorgvuldig op canvas voordat hij ze schildert. Hij omschrijft zichzelf als een "handen en arm"-schilder, die vanuit zijn geheugen een mager gevoel van beweging in zijn werken creëert. Katz heeft gedurende zijn hele carrière ook gestaag prentkunst, uitsneden en theaterproductieontwerpen gebruikt. Hij gebruikte deze media in toenemende mate van de late jaren '60 tot de jaren '70, evenals zijn gebruik van sculpturale vormen. Hij begon langzaamaan te kijken naar de ontwikkeling van grootschalige landschapsschilderijen, waarbij hij immersieve technieken ontwikkelde om de kijker mee te nemen in de visuele ervaring van het proces, een techniek die hij tot op de dag van vandaag gebruikt.

Door de jaren heen heeft Katz succesvolle solotentoonstellingen gehouden in het Brooklyn Museum in New York, in het Joods Museum in Israël, het Museum of Modern Art in Dublin, Ierland, en het Centre of Contemporary Arts in Malaga, Spanje, en vele andere musea.

Katz, een kind van Russische immigranten van Amerika, groeide op in New York tijdens de Grote Depressie. De inherente instabiliteit van het leven tussen twee culturen, tussen verleden en toekomst, tussen ballingschap en assimilatie moeten een belangrijke rol hebben gespeeld bij Katz's onvermogen om het realisme volledig te vertrouwen. Dit is een consistent thema dat doordringt in zijn benadering van schilderen; de dualiteit tussen het onderwerp en de empirische observaties van de schilder van de "echte wereld."

Katz heeft altijd geloofd dat de 'realiteit' doordrongen is van een groot aantal percepties zoals cultuur, omgeving en subjectieve ervaring. Katz verwerpt categorisch absoluten als een sjabloon voor het begrijpen van de werkelijkheid: zijn enige alliantie is zijn eigen smaak. Dit is de reden waarom, hoewel de grote schilders van zijn generatie zoals Jasper Johns en Robert Rauschenberg standvastig begonnen aan hun radicale verkenning van het abstract expressionisme, Katz niet de neiging had om in hun voetsporen te treden.

Hij vond veel inspiratie in het werk van de belangrijkste Amerikaanse dichters en schrijvers uit het midden van de twintigste eeuw: Frank O'Hara, Edward Gorey, Gertrude Stein. Hij deelde met hen een ontembare honger naar het leven, verpakt in gestileerde verfijning en levensbevestigende kracht.

Het is de voortdurende verantwoordelijkheid van Katz om de levendigheid en vitaliteit te onthullen die in zijn portretten en landschappen schuilgaan. Hij wil nog steeds het 'nu' vastleggen van de kortstondige momenten die hun weg vinden naar zijn innerlijke wereld en vervolgens naar zijn schilderijen. In vele opzichten is één van zijn belangrijkste prestaties de vlakheid van zijn foto's om te zetten in iets boeiends en intrigerends geweest. Deze unieke benadering van zijn werk weerspiegelt de collectieve geest van zijn tijdgenoten uit de jaren '60. Ze wilden de agressiviteit van het oppervlak uit hun doeken halen, wat het beste kon worden benadukt door de vlakheid van de objecten die dat vertegenwoordigden.

In het vorige tijdperk van de jaren vijftig was de invloed van het impressionisme nog sterk voelbaar onder Amerikaanse schilders, die vlakken vertegenwoordigden die doordrenkt waren met zachtheid, waar Katz in zijn eigen werk op reageerde. Katz ontdekte geleidelijk zijn eigen stem toen hij zich begon te concentreren op onderwerpen die zijn dagelijkse leven en het leven van zijn naaste kennissen, vrienden en familie weerspiegelden. Door zich te concentreren op zijn onmiddellijke realiteit, kon hij niet in de val lopen door alleen maar trends te volgen of de stijlen en technieken van andere kunstenaars te kopiëren.

In zijn schilderijen onthult Katz hoe licht zowel wordt gespiegeld als afgebogen door het licht zodra de beweging ervan op het canvas is vastgelegd.

Tijdens zijn vroege jaren op de kunstacademie leerde hij opnieuw na te denken over hoe perspectief moest worden ondermijnd en expliciet moest worden vermeden in moderne schildertechnieken. Als algemene regel werd het Katz en zijn tijdgenoten sterk afgeraden om schaduw, modelontwerp en illustratieve beschrijvingen in hun schilderijen te gebruiken. Hun enige bouwstenen waren de rechte lijnen op een eenvoudig geometrisch vlak. Hun doel was om de urgentie van het huidige moment te grijpen en het met minimale middelen en decorum te onthullen.


Maar al vroeg wilde Katz een manier vinden om representatieve werken te maken die er fris en nieuw uitzagen. Hij wilde dat zijn schilderijen zich verspreidden over doeken die steeds groter werden. Hij greep het momentum van Pop Art's adoptie van hedendaags denken en grafische ideeën aan, die zijn fysieke gevoel voor styling beïnvloeden. In zijn oeuvre kiest Katz er steeds vaker voor om de waarneming op de voorgrond te houden en de betekenis naar de achtergrond te verbannen. Hij kwam tot de conclusie dat het laatste het momentum van het eerste vertraagt. In overeenstemming met de visie van de abstract-expressionistische schilders van de jaren vijftig was het zijn bedoeling om de betekenis helemaal uit het beeld te laten. Het moest worden voorkomen dat significantie, context en vorm de directheid die kan worden vastgelegd door de afwezigheid van conventionele beschrijvingen vertraagden.

Hoewel Katz altijd erkent dat hij veel dank verschuldigd is aan het abstract expressionisme, streefde hij ook in zijn eigen werk doelbewust naar een representatief commentaar. Zo wist hij de impuls van abstractie uit een innerlijke verkenning naar de buitenwereld te halen.